POSTIMPRESIONISMUS (Vincent van Gogh)

Jednou z nejneobvyklejších skutečností v uměleckém světě je příběh o tom, jak si Van Gogh uřízl ucho. Po pouhých 37 letech pozemského života zažil osamělost, pronásledování, šílenství a tragickou sebevraždu. Jeho jméno bylo široké veřejnosti málo známé. Malování se věnuje pouze posledních deset let a prodal se pouze jeden obraz („Červené vinice v Arles“, Puškinovo státní muzeum výtvarných umění). Je neuvěřitelné, že jeho tvůrčí pozůstalost čítá asi tisíc kreseb a stejný počet obrazů, které vznikly v tomto krátkém období plném obětavé a titánské práce.

Vincent se narodil 30. března 1853 v Nizozemsku ve vesnici Grot-Zundert v rodině protestantského kněze. Byl nejstarší ze šesti dětí. Podle jeho příbuzných se vyznačoval obtížnou povahou, zatímco jeho okolí zaznamenalo jeho přátelskost a soucit ve vztazích s lidmi.

V sedmi letech začal studovat na vesnické škole. A již v roce 1864 Vincent vstoupil do soukromé internátní školy. Po dvou letech se přestěhoval na Tilburg College, kde se začal projevovat jeho talent na jazyky a kreslení. Ale v roce 1868, neschopný unést odloučení od rodiny, se vrátil domů.

Rodinná tradice umělcovy rodiny se skládala pouze ze dvou typů činností: obchodu s uměleckými díly a farní činnosti. Zkouší se jako obchodník s uměním i jako pastor, ale jeho vášeň pro výtvarné umění přebírá.

V 15 letech začal pracovat v umělecké a obchodní společnosti v Haagu. O čtyři roky později byl převeden do londýnské pobočky. Tam se stal úspěšným obchodníkem, dobře zběhlým v umění anglických rytců a umělců. To mělo významný vliv na jeho další uměleckou tvorbu. Poté se přestěhuje do Paříže, kde pracuje v centrální pobočce firmy Goupil, o dva roky později však upadá do stavu „bolestivé osamělosti“ a je nucen opustit zaměstnání.

Po návratu domů se rozhodne připravit na teologickou fakultu. Van Gogh si uvědomil, že drsné učební prostředí neodpovídá jeho představám, vstoupil do misionářské školy, po níž v roce 1879 odcestoval na jih Belgie jako kazatel. Bere si k srdci utrpení obyčejných lidí a dokonce odmítá vymoženosti a rozdává majetek. Ale jeho úsilí bylo marné. A ve svých raných dílech upřímně zachytil obrazy selských žen a horníků.

A znovu se dostavilo zklamání a depresivní nálady. Jeho věrný bratr Theo, který věří ve Vincentův talent, mu přichází na pomoc a pomáhá mu pokračovat v uměleckém vzdělávání v Bruselu, Antverpách a poté v Paříži. Tyto dva pařížské roky (1886-1888) pro něj byly neuvěřitelně produktivní. Setkal se s významnými představiteli impresionismu a postimpresionismu: Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin. Vincent se intenzivně ponořil do uměleckého života Paříže: studoval obrazy velkých mistrů v Louvru, analyzoval japonské umění, navštěvoval výstavy současných umělců a pokračoval v hledání vlastního stylu.

Z Paříže v roce 1888 se Van Gogh vydal na jih Francie do Arles (Provence). Je plný velkolepých plánů. Klade si nelehký úkol – namalovat jeden nebo dva obrazy, pracovat šestnáct hodin denně a získat důvěru ve své dovednosti. Sní o tom, že zde vytvoří „Dílnu jihu“, kde zahájí činnost bratrstvo umělců.

Do Arles ale přijel pouze Paul Gauguin. Přátelství, které Vincenta inspirovalo, skončilo hádkou. V zoufalství si uřízl ušní lalůček. Gauguin spěšně odjel do Paříže a krvácející Vincent byl převezen do psychiatrické léčebny. Theo vezme svého bratra na léčbu do psychiatrické léčebny v Saint-Rémy, kde se nemůže vzdát své kreativity. Za 12 měsíců vytvoří asi 200 pláten, dále se vyvíjí ve svých dílech, ve kterých se tak jasně projevuje jeho rozpoznatelný styl expresivního hustého krouživého štětce. 29. července 1890 Vincent spáchal sebevraždu a zemřel v náručí svého bratra Thea.

„Jeho jazyk je jazykem extrémních stavů, ohnivou pecí kreativity. Jeho inspirace, lidskost a ne lhostejnost k lidem a jejich problémům – to vše tvoří základ jeho nejlepších děl. Je to jako maják pro budoucí generace“ (David Addison)

Terasa noční kavárny

1888, Kröller-Müller Museum.

„Night Café Terrace“ vznikla během nejjasnějšího a nejnadějnějšího období umělcova života. Na začátku podzimu roku 1888 se Van Gogh přestěhoval do Arles a užíval si pohodlí provinčního vnitrozemí. Badatelé jeho díla poznamenávají, že i přes nechuť ke každodenním tématům překonal sám sebe a zobrazil lidi sedící na terase kavárny pod hvězdnou oblohou.

Během tohoto období kreativity se ani jedno plátno neobešlo bez mistrovy oblíbené žluté, slunečné barvy. Další vášní umělce byla noční obloha posetá hvězdami. V tomto díle se tyto dvě vášně spojily.

Dlouho předtím, než se Vincent přestěhoval do Arles, snil o malování noční krajiny. Nejprve se zrodila „Starry Night Over the Rhone“. Existuje legenda, že Van Gogh při práci připevnil svíčky na okraj svého slaměného klobouku, aby osvětlil plátno, protože pouliční osvětlení bylo příliš slabé. O své práci na obrazu noční kavárny se zmínil v dopise své sestře Wilhelmině. A v dopise svému bratru Theovi Vincent napsal, že hvězdy na noční obloze jsou jako černé tečky na neznámé mapě, ukazující vzdálená města.

Umělec používá oblíbené téma impresionistů. Ale jeho nejobyčejnější večerní panoráma města postrádá jakoukoli obyčejnost. Snaží se přitáhnout pozornost veřejnosti k barevnému řešení, které vytváří jedinečnou atmosféru obrazu. Zvolená barva činí tvorbu tohoto umělce nepochybně inovativní.

Nutno podotknout, že při ztvárnění noční krajiny umělec nepoužil jedinou kapku černé barvy. A je to neuvěřitelné! Divák je ohromen pestrostí barev noci. Světelný zdroj (žlutá terasová lucerna) nepochopitelně barví noční zákoutí městečka do těch nejromantičtějších barev – od růžové po jemnou šeříkovou.

Lidé na obrázku jsou jakousi ozdobou, která hraje roli pozadí. Mnoho volných stolů na terase působí na diváka lákavě. Mimovolně začínáme slyšet zvuky noční ulice a vůně aromatické kávy. Ale přesto jsou hlavními postavami obrázku noční obloha a žlutá barva.

Přeneste proměnlivou hru světla a stínu, demonstrujte expresivitu přírody, zosobněte lidský impuls k harmonii, štěstí a klidu. Přesně tyto pocity prostupují dílo „Night Café Terrace“.

Má děj „Cafe Terrace at Night“ něco společného se slavnou Poslední večeří? Vlastně neznámý. Vincent sám nezanechal žádné poznámky ani vodítka, ale kritici práci pozorně prostudovali a identifikovali několik podobností.

„Zajímavou teorií, kterou předložil badatel Jared Baxter, je, že tento obraz od Van Gogha odráží motiv z Poslední večeře. Dá se s ním docela souhlasit. Jaké prvky na plátně dokazují tuto teorii?

– za prvé, samotný počet návštěvníků kavárny se rovná počtu hrdinů večeře (Kristus s 12 apoštoly včetně Jidáše). Uprostřed je číšník s dlouhými vlasy a bílým rouchem, připomínající Krista. Kolem něj je dvanáct návštěvníků kavárny, což se rovná počtu apoštolů, a jeden z nich stojí ve dveřích. Stín zakrýval jeho postavu (na rozdíl od zesvětlené postavy Krista). Je snadné uhodnout, že jde o Jidáše

-za druhé, hned za zády číšníka (který je prototypem Krista) je okenní rám v podobě křesťanského kříže.

— za třetí, použitý motiv je odkazem na biografii samotného umělce. Než se začal věnovat malbě, chtěl slavný nizozemský umělec „kázat evangelium všude“. Podařilo se mu dokonce nějakou dobu pracovat jako pomocný pastor, číst Písmo negramotným a kázat, zatímco studoval u svého strýce teologa. Jeho osud se však vyvíjel jinak a nikdy se mu nepodařilo stát se knězem. Právě v období malování tohoto obrazu napsal Van Gogh svému bratru Theovi, že „velmi potřebuje náboženství“. Je pravděpodobné, že umělcova nenaplněná touha být blíže Bohu se na jeho plátně objevila v podobě skrytého biblického motivu.

– za čtvrté, jak víte, motiv Poslední večeře je spojen s eucharistií (svěcení a přijímání chleba a vína). Kristus podává jídlo svým apoštolům, stejně jako číšník podává jídlo svým zákazníkům.

– a poslední věc: ústřední postavu číšníka (Krista) osvětluje jasná záře z lucerny, která mu visí nad hlavou.

Všechny tyto důkazní argumenty skutečně poskytují základ pro zahrnutí biblického motivu Poslední večeře v námětu obrazu Vincenta Van Gogha.“

„Most přes propast“ od Paoly Volkové. Vydání 11.

Vincent Van Gogh „Noční kavárna v Arles“

srpna 1888, Londýnská národní galerie

Série obrazů zobrazujících slunečnice se stala jedním z umělcových nejznámějších děl. „Slunečnice“ se pro Van Gogha staly jakousi vizitkou. V jeho tvůrčím dědictví zaujímají podle historiků umění stejně důležité místo jako „La Giaconda“ v díle Leonarda nebo „Černé náměstí“ v díle Malevicha.

Jak víte, Vincent často maloval květiny. Jsou zde jeho plátna zobrazující větve kvetoucích stromů – jabloně, akáty, mandle, kaštany. Rád kreslil i jednoduché polní květiny – sedmikrásky, máky, chrpy a dokonce i bodláky. Ale Van Gogh měl zvláštní lásku ke slunečnicím, o kterých opakovaně psal svému bratrovi. Umělec v dopisech přiznal, že tuto rostlinu spojuje sám se sebou. Mohlo to být způsobeno tím, že jsou to žluté květy. A tato barva, jak víte, byla malířova oblíbená.

Dvě řezané slunečnice. Paříž, září 1887

Olej na plátně42×6 Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Čtyři řezané slunečnice. Paříž, září 1887 1887

Olej na plátně 60×100. Oterlo, Kroller-Mollerovo muzeum

Pokud obrazy „Slunečnice“ vytvořené Van Goghem v Paříži vyjadřují depresivní náladu, pak je cyklus děl vytvořený o rok později v Arles naopak plný světla a radosti. Je to dáno tím, že kdysi tady umělec, okouzlený jihem Francie, zažil velký emocionální vzestup.

Léto v Arles bylo pro umělce poznamenáno „žlutou notou“: maloval západ slunce, městská světla a snopy slámy, ale slunečnice absorbovaly všechny odstíny žluté, které duševně nemocný člověk tak postrádal. Zdá se, že jejich šťavnaté stonky, okrově načervenalé, oranžově slunečné květy vyzařují záři, i když velmi slabou, ale stále záři.

Van Gogh původně maloval slunečnice, aby ozdobil svůj domov v Arles při příjezdu svého přítele Paula Gauguina. Chtěl vytvořit alespoň dvanáct panelů s jeho oblíbenými květinami, ale za celé léto se mu přes velkou horlivost podařilo namalovat jen čtyři obrazy. Byli umístěni v pokoji pro hosty. Oba umělci tam společně pracovali od října do prosince 1888.

Ze série obrazů „Slunečnice“ počaté a vytvořené v Arles se jedno z děl nenávratně ztratilo (zbyla jen jeho fotografie). Obraz byl zničen během druhé světové války v důsledku bojů v Japonsku. Osud dalších obrazů byl úspěšnější: jeden z obrazů cyklu zobrazující tři slunečnice je uložen v jedné ze soukromých sbírek v USA a další dva, které se staly nejznámějšími, jsou v Londýně a Mnichově.

V muzeích a galeriích se návštěvníci setkávají se stovkami krásných tváří, ale často nevíme nic o těch, které kdysi inspirovaly velké mistry. KudaGo vypráví o ženách, bez kterých by mnoho obrazových mistrovských děl neexistovalo.

 28497
Záběr z filmu „Dívka s perlovou náušnicí“

Záběr z filmu „Modigliani“

Snímek z filmu „Půlnoc v Paříži“

Sandro Botticelli. Zrození Venuše

Boris Kustodijev. Ruská Venuše

Netradiční koncerty v katedrále Petra a Pavla. 12+

Použijte promo kód KUDAGO a získejte 20% slevu na vstupenky. Inzerce. IP Romaněnko Oleg Ivanovič. DIČ 771471613250.

Recepty na letní prázdniny od KudaGo

• Toto léto bude nejlepší: Nejlepší místa a události sezóny
• Jezte, pijte, tančete: bavte se na slunci i ve stínu
• Využijte léto naplno: nejlepší slevy a nabídky
• Poleťme na Šašlyndos! Rekreace v přírodě
• Léto ve městě: Neobvyklé turistické trasy

„Portrét Jeanne Samary“ od Auguste Renoira

Obraz, který Auguste Renoir vytvořil v roce 1877, zobrazuje herečku divadla Comédie-Française Jeanne Samary. Před svatbou žila poblíž umělce a pravidelně mu chodila pózovat. Impresionista si obzvláště oblíbil její pleť: „Osvětluje všechno kolem! Skutečný paprsek slunce!“ zvolal. Na jevišti hrála Samary hlavně subretky – živé, veselé služebné, které pomáhaly svým pánům v záležitostech srdce. Herečka zemřela ve věku 33 let na tyfus. Portrét dívky, jejíž obraz se stal ztělesněním Renoirovy ženy, dlouho uchovával její manžel a poté jej koupil Ivan Morozov.

„Dívka v modré halence“ od Henriho Matisse

V roce 1932 přišla do domu Henriho Matisse v Nice mladá ruská emigrantka Lydia Delektorskaja, aby pracovala jako jeho asistentka. Díky tomu pro mistra pracovala 22 let a stala se nejen jeho nenahraditelnou asistentkou, ale i jeho múzou: umělec ji mnohokrát portrétoval. Po Matisseově smrti začala získávat jeho kresby a rytiny a postupně nashromáždila impozantní sbírku. Delektorskaja darovala tato díla Ermitáži a Puškinovu muzeu výtvarných umění. Mezi její další úspěchy patří překlad všech děl Konstantina Paustovského do francouzštiny.

„Dívka s broskvemi“ od Valentina Serova

V roce 1887 namaloval dvaadvacetiletý Valentin Serov lehký, svěží portrét dvanáctileté Veročky Mamontovové, veselé a neklidné dcery filantropa Savvy Mamontova. Hrdinka je zobrazena v jídelně rodinného panství Abramtsevo, které často navštěvovali Ilja Repin, Michail Vrubel, Vasilij Polenov, Viktor Vasněcov a samozřejmě Valentin Serov. „Dívka s broskvemi“ se vdala a porodila tři děti, ale ve 22 letech zemřela na zápal plic. Na památku Veročky postavil její manžel v Averkijevu kostel Životodárné Trojice.

„Nad městem“ od Marca Chagalla

Obraz „Nad městem“ zobrazuje Marca Chagalla a jeho ženu Bellu, jak letí nad Vitebskem – v beztížném stavu, svobodní, šťastní. Umělec věnoval stovky děl své ženě, která ho inspirovala po 30 let. Bella (vlastním jménem – Bertha Rosenfeld) byla inteligentní, krásná žena, která celý svůj život zasvětila lásce k Chagallovi. Zemřela v roce 1944, ale ani poté umělec nepřestal malovat její portréty a až do konce svých dnů odmítal o svém manželovi mluvit v minulém čase.

„Olympia“ od Édouarda Maneta

Prototypem kurtizány pro revoluční obraz „Olympia“ se stala Victorine Meurent, jedna z nejoblíbenějších modelek Édouarda Maneta. Zrzavá dívka se sněhobílou pletí a obrovskýma hnědýma očima, bez jejíž podoby si nelze představit dílo impresionisty, se živila hudbou, vystupovala v kavárnách-šantantech a poskytovala soukromé lekce. Kromě Maneta pózovala pro Thomase Coutureho a Edgara Degase. V určitém okamžiku se Meurent sama chopila štětce a dokonce svá díla prezentovala v několika pařížských salonech.

„Plačící žena“ od Pabla Picassa

Pablo Picasso vytvořil celou sérii děl s názvem „Plačící žena“. Obrazy, namalované v předvečer druhé světové války, jsou plné hrůzy a zármutku. Všechna plátna zobrazují stejnou osobu – Doru Maarovou. V roce 1920 se přestěhovala do Paříže, kde začala studovat malířství a fotografii, setkala se s Brassaïem, Henrim Cartier-Bressonem a André Bretonem. Nějakou dobu byla asistentkou Mana Raye a v roce 1936 si otevřela vlastní fotoateliér. Zároveň se Maarová setkala s Pablem Picassem, s nímž se na dalších devět let stala jeho přítelkyní a múzou. Poté se jejich cesty rozešly.

„Ruská Venuše“ od Borise Kustodijeva

Pro obraz „Ruská Venuše“, stejně jako pro mnoho dalších děl Borise Kustodieva, umělec pózoval pro svou dceru Irinu. Umělec zobrazil zářivou, zdravou dívku, která se myje v lázni, a mořskou pěnu, tradiční pro tento děj, nahradil mýdlovou. Mistr maloval Irinu, která se narodila v roce 1905, neustále až do své smrti. O dalším osudu jeho Venuše není mnoho informací. Je známo, že žila v Leningradu, pracovala jako herečka a zemřela v roce 1981.

„Portrét Sarah Eleonory Fermor“ od Ivana Vishnyakova

Obraz Sáry Eleonory Fermorové je jedním z nejslavnějších dětských portrétů v dějinách ruského umění. Obraz zobrazuje desetiletou dceru Willima Fermora, státníka a vojenské osobnosti 10. století. Dívka oblečená v „dospělých“ plesových šatech s výstřihem je zachycena ve slavnostní póze se společenským úsměvem zamrzlým na rtech. Je známo, že se provdala za hraběte Jakuba Stenbocka a měli spolu nejméně osm dětí. Linii Fermor-Stenbock lze vysledovat až k revoluci.

„Zrození Venuše“ od Sandro Botticelli

Věří se, že prototypem Venuše pro jeden z nejslavnějších obrazů Sandra Botticelliho byla Simonetta Vespucci, kráska florentské renesance. Všichni šlechtici města, včetně Lorenza Velkolepého a Giuliana de‘ Medici, šíleli po této dívce se zlatými kadeřemi. Byla provdána za Marca Vespucciho, příbuzného mořeplavce Ameriga Vespucciho. Simonetta, jejíž tvář se stala jedním ze symbolů renesance, zemřela ve věku 23 let.

„Dáma s hranostajem“ od Leonarda da Vinciho

Cecilia Gallerani, zobrazená na slavném obraze da Vinciho, pocházela ze šlechtické rodiny a byla zasnoubená v deseti letech. O čtyři roky později však bylo zasnoubení zrušeno a dívka byla poslána do kláštera. Tam se setkala s vévodou Ludovicem Sforzou. V důsledku bouřlivého románku Cecilia otěhotněla a přestěhovala se na hrad svého milence, ale brzy nastal čas, aby se oženil s jinou ženou (dynastické manželství), které se přítomnost milenky v domě vůbec nelíbila. Po porodu si Sforza vzal syna pro sebe a Gallerani se provdala za chudé hraběte. V novém manželství žena porodila další čtyři děti, pohřbila svého zesnulého manžela a během války přišla o veškerý majetek a přestěhovala se do domu sestry manželky téhož Ludovica Sforzy. Po válce se jí podařilo získat zpět svůj majetek, kde žila až do konce svých dnů.

„Portrét princezny Zinaida Yusupova“, Valentin Serov

Na obraze z počátku 47. století umělec zobrazil nejbohatší ruskou dědičku, poslední z rodiny Jusupovů. Princezna byla neuvěřitelně krásná, o její přízeň usilovalo mnoho vznešených osobností, ale ona se chtěla vdát pouze z lásky, a proto na své štěstí čekala. Manželství bylo šťastné a přineslo dva syny. Jusupovová věnovala mnoho času a energie charitě a pokračovala v ní i v exilu po revoluci. Její milovaný nejstarší syn zemřel v souboji, když bylo princezně XNUMX let, a ona se s touto ztrátou těžko vyrovnávala. S nástupem nepokojů Jusupovové opustili Petrohrad a usadili se v Římě a po smrti svého manžela se princezna přestěhovala ke svému druhému synovi do Paříže, kde strávila zbytek svých dnů.

„Portrét Marie Lopukhiny“ od Vladimíra Borovikovského

Vladimir Borovikovskij zobrazil Marii Lopuchinovou, zástupkyni hraběcí rodiny Tolstých, v útlém věku osmnácti let. Její manžel Stepan Lopuchin si portrét objednal krátce po svatbě. Osud této záhadné dívky se ukázal být smutný: pouhých šest let po dokončení obrazu Maria zemřela na souchotin.

„Portrét Struiskaya“ od Fjodora Rokotova

Bohatý penzenský statkář, vdovec a občasný básník Nikolaj Strujskij již před setkáním se svou budoucí manželkou ztratil manželku a dvě dcery-dvojčata. Neutěšitelný začal žít jako poustevník na svém panství v Ruzajevce. Právě tam se setkal s Alexandrou Ozerovovou, která se později stala jeho manželkou. V té době jí bylo pouhých 18 let a podle jedné legendy jí Strujskij daroval na počest jejich svatby celý kostel. Brzy po svatbě se novomanželé vydali do Moskvy, kde si u Rokotova objednali rodinné portréty. Není jisté, jak šťastné toto manželství bylo, ale Strujskij psal své snoubence básně až do její smrti a každý, kdo navštívil jejich dům, si všiml, jak moc se od sebe manželé lišili. Během 24 let manželství však Alexandra porodila 18 dětí, z nichž deset zemřelo v dětství. Po smrti svého manžela žila dalších 40 let.

„Obchodníkova žena u čaje“ od Borise Kustodieva

Pokud si vzpomeneme, že Kustodiev obraz namaloval v porevolučním roce 1918, pak bohatství, které leží na stole před obchodníkovou ženou, okamžitě upoutá pozornost. Ale kdo to je? Předlohou pro umělce byla baronka Galina Aderkasová, jejíž rodina sahá až k livonským rytířům XNUMX. století. No, v Astrachani byla jen sousedkou Kustodievových. Obecně to byla umělcova manželka, která ji přivedla do ateliéru, když si všimla jejího barevného obrazu. V té době byla Galina studentkou medicíny v prvním ročníku a v náčrtcích byla její postava znatelně ladnější. Po absolvování univerzity nějakou dobu pracovala jako chirurgyně, ale tuto profesi opustila a rozhodla se zpívat v ruském sboru, dabovat filmy a vystupovat v cirkuse.

„Mona Lisa“ od Leonarda da Vinciho

Debata o tom, kdo pózoval pro tento nejslavnější a nejzáhadnější obraz všech dob, trvá už téměř 500 let. Teprve v roce 2005 bylo potvrzeno, že legendární úsměv patřil manželce florentského obchodníka s hedvábím Lise del Giocondo. Okolnosti, za kterých byl da Vinci pověřen malováním portrétu, byly také zhruba stanoveny: důvodem bylo s největší pravděpodobností narození syna a koupě domu. Spolu se svým manželem hrdinka portrétu vychovala pět dětí. Mor vzal jejího manžela a poté zasáhl i samotnou ženu. Jedna z Lisiných dcer se toho nebála, vzala matku k sobě a ošetřovala ji, dokud se neuzdravila. Poté „Gioconda“ žila se svými dětmi ještě několik let a zemřela ve věku 63 let.

„Portrét Julie Samojlovové s Giovaninou Pacini a malým černým chlapcem“ od Karla Brjullova

V roce 1827 se osmadvacetiletý Karl Brjulov seznámil s dcerou generála Pahlena a Marie Skavronské, Julií Samojlovovou. V té době už měla dívka za sebou jedno rozpadlé manželství a nic jí nebránilo v tom, aby si užívala romantické večery v umělcově společnosti. Sešli se v Římě a milenci hodně cestovali po italských místech, včetně ruin Pompejí. Na jednom ze svých nejslavnějších obrazů, „Poslední den Pompejí“, Brjulov svou milovanou zobrazil čtyřikrát. Na levé straně obrazu je žena s džbánem na hlavě, v levém rohu obrazu je matka, která k sobě přitahuje své dcery, a uprostřed je žena, která upadla a zemřela. Vedle ní je žena přikrývající své děti, a to je také Julie Samojlovová. Kromě toho Brjulov namaloval několik portrétů hraběnky. Jeden z nich zobrazuje dívku s adoptivní dcerou a malým černošským chlapcem. Vztah mezi umělcem a hraběnkou trval 28 let, až se Samoilova v roce 18 rozhodla oddělit od Bryullova.

„Zlatá Adéla“ od Gustava Klimta

Milostný příběh Gustava Klimta a Adele je tragédie. Mezi manželkou cukrovarníka Ferdinanda Bloch-Bauera a umělcem se zrodil vášnivý románek. Celá společnost o tom věděla, ale Ferdinand Bloch-Bauer nedal najevo, že o tomto vztahu ví. Místo toho Klimtovi nabídl smlouvu na slušnou částku, jejíž hlavní podmínkou bylo vytvořit sto skic k obrazu. Cukrovarník doufal, že neustálým přemalováním dívky umělec k ní nakonec ochladne. A plán vyšel. Hotový portrét umělec představil v roce 1907. Jeho tvorba trvala čtyři roky a během této doby vztah Klimta a Adele postupně slábl. V roce 1918 Klimt náhle zemřel na mrtvici. Adele ho přežila o sedm let a v roce 1925 zemřela na meningitidu. Před smrtí požádala svého manžela, aby odkázal tři obrazy (včetně Portrétu Adele Bloch-Bauerové) vídeňskému muzeu Belvedere. Obraz, přezdívaný Zlatá Adele, je považován za vrchol Klimtovy tvorby. V roce 2006 byl prodán za 135 milionů dolarů. Osud portrétu se stal námětem filmu Žena ve zlatě.

Pokud najdete překlep nebo chybu, vyberte část textu, která ji obsahuje, a stiskněte Ctrl + ↵